Zomerland 2

Óleo Sobre Tela
50 x 40cm aprox.

290 €

SEQ 2

FOTO ORIGINAL
Entregamos original em doc. magnetico juntamente com declaração de propriedade,autenticidade e autoria.
250 €

Ditosa Pátria Que Tais Filhos Tens... ( POLITICA À PORTUGUESA I )

PROBLEMAS DE POVOAMENTO NO NORTE DE MOÇAMBIQUE, Mário de OLIVEIRA

Geographica Nº 13; 12 p.; Ilustrado

15 €

MIGUEL CAPEL, Rafael Santos TORROELLA

Barcelona, 1965; Galeria Rene Metras; 58 p.; Ilustrado.
Edição limitada a 556 exemplares editado aquando da exposição pessoal de Miguel Capela na Galeria Rene Metras em Barcelona a 7 de Maio de 1965.
Exemplar Nº 153

Com dedicatória autografa de MIGUEL CAPEL a iluste artista plástico.

250 €

Rafael Santos Torroella

Su primer artículo llevaba por título «Picasso, ABC de las artes». Lo escribió a los catorce años. No podía imaginar que, transcurrido el tiempo, sería uno de los más grandes críticos precisamente desde las páginas de ABC de las Artes. Tenía nombre de arcángel y dejó esta tierra el día de su patrón, cuando había dado lo mejor de su memoria y de su sensibilidad, que aplicó tanto a la fundación de revistas como a su obra poética, sus acuarelas y sus observaciones acerca de la labor estética de otros. Ayer se celebró una ceremonia religiosa en su domicilio, en la más absoluta intimidad por expreso deseo de su viuda, y esta semana tendrá lugar el funeral, que previamente será anunciado.

Con Santos Torroella, hay que decirlo, muere una voz de la Residencia de Estudiantes, mueren vivencias con Federico García Lorca, Buñuel, Pepín Bello y, cómo no, Salvador Dalí, del que fue el mayor experto en el mundo.

Hermano de la pintora surrealista Ángeles Santos, Rafael Santos Torroella recordaba con humor que nació en la localidad fronteriza de Portbou en 1914, «época de estraperlo». Estudió Derecho en las Universidades de Valladolid y Salamanca, y durante 40 años ejerció como catedrático de Historia del Arte Contemporáneo en la Universidad de Barcelona, de donde era profesor emérito desde 1986. En ABC aparecieron cuatro poemas suyos en la sección «Y poesía cada día» el 26 de julio de 1969. En el suplemento cultural comenzó a publicar el 29 de noviembre de 1980, con el texto «Goya, Picasso y tauromaquia» y no dejó de hacerlo hasta 1998, cuando la salud se lo impidió.

Fue miembro de la Real Academia de Bellas Artes de Sant Jordi de Barcelona (1981), y académico correspondiente de la R.A. de San Fernando de Madrid, así como miembro de la Asociación Internacional de Críticos de Arte desde 1963; de la Academia Breve de Crítica de Arte (1951), fundada y presidida por Eugenio d´Ors; y de la Fundación Fernando el Católico de Zaragoza (1974). Era miembro fundador de las Ediciones Cobalto (1947) y del grupo Altamira (1949-50), que creó para la defensa del Arte Nuevo.

Participó, como asesor artístico del arquitecto José Antonio Coderch, en la IX Trienale de Milán (1951), en la que fue concedida a España la «Medalla de Oro». Organizó, con Joaquín Pérez Villanueva, los Congresos Internacionales de Poesía de Segovia, Salamanca y Santiago de Compostela (1952-54).

En 1981 se doctoró con la tesis sobre el cuadro de Dalí «La miel es más dulce que la sangre», que en 1984 publicó en libro Seix Barral. Otros libros suyos son los que estudian la relación del artista con García Lorca, el poeta J. V. Foix, así como las monografías sobre el cartel, «Los Putrefactos», Turner, Darío de Regoyos, Goya o Miró. La Residencia de Estudiantes publicó en 1996 una selección de su obra poética con la que venía a culminar una trayectoria lírica que cultivó siempre. Sirva como recordatorio el título de libros indispensables como «Ciudad perdida» (1949), «Sombra infiel» (1952), «Nadie» (1954), «Hombre antiguo» (1956) y «Da nuces pueris», de sus últimos años.

A lo largo de su vida, Santos Torroella fue galardonado con varios premios, como los de poesía El Combatiente del Este, 1938; Ciudad de Barcelona, 1956; Juan Boscán, 1959; y los de crítica Camón Aznar de 1972, y Mariano Fortuny de 1975. Fue Medalla de Oro de las Bellas Artes en 1990; Premi d´Honor Espais al crítico del año en 1992; Creu de Sant Jordi de la Generalitat de Catalunya en 1992; Medalla de Oro por la labor crítica de toda una vida, concedida por la Comunidad Autónoma de Cantabria y la U. I. Menéndez y Pelayo, 1992; y Premio de la Asossiació Catalana de Crítics d´Art en 1996.

ARTISTAS DE PERNAMBUCO, José CLAUDIO (José Cláudio DA SILVA)

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Recife, 1982; Governo do Estado; 224 p; Ilustr.; B. Selecção, Apresentação e Posfácio de JOSÉ CLAUDIO DA SILVA

65 €

José CLAUDIO

José Cláudio da Silva nasceu em Ipojuca, Pernambuco, em 1932. Começou a desenhar nos papéis de embrulho da loja de seu pai, Amaro Silva. Em 1952, interrompeu o curso de Direito, da Faculdade de Direito de Recife, e ingressa no Atelier Coletivo, da Sociedade de Arte Moderna do Recife, dirigido pelo escultor Abelardo da Hora.
Em 1957 participa da IV Bienal de São Paulo, que lhe confere prêmio de aquisição. Em 1975 pinta 100 óleos documentando aspectos da Amazônia. Fez essa viagem pelo Rio Madeira a convite do zoólogo e compositor Paulo Vanzolini, que costumava levar um artista em excursões à Amazônia (hábito dos cientistas mais antigos).
Um dos desenhos da série sobre a Amazônia foi levado pelo zoólogo americano Ronald Hayer para o Museum of Natural History, da Smithsonian Instituiton, Washington. Os quadros foram adquiridos pelo governador de São Paulo, Paulo Egydio, e se encontram hoje no Palácio Bandeirantes.
Trabalhou na Bahia com Mário Cravo, Carybé e Jenner Augusto; e em São Paulo com Di Cavalcanti. Estudou gravura com Lívio Abramo na Escola de Artesanato do Museu de Arte Moderna de São Paulo; Modelo Vivo e História da Arte na Academia de Belas Artes de Roma, bolsista da Fundação Rotelini (Itália).
Lançou os livros Viagem de um jovem pintor à Bahia e Ipojuca de Santo Cristo (1965), Bem dentro (1968)) e Meu pai não viu minha glória (1995).
Em 1992, foi um dos dez artistas brasileiros eleitos por uma comissão de críticos para fazer cartaz comemorativo dos 50 anos da chegada da Coca-Cola ao Brasil: "Coca-Cola 50 anos com arte".
Em 2004, pintou um painel sobre festas populares de Pernambuco para o novo Aeroporto dos Guararapes. Reside em Olinda.

LISBOA VISTA POR HIROSUKE WATANUKI

 E. N. P. Editorial Notícias, .12 Ilustr
Inclui uma biografia à data (1961)
Com dedicatória autografa



90 €

Muhoan - Hirosuke Watanuki

  In 1956, after he graduated from the Department of political Sciences of Kwansei Gakuin
University Graduate School, Mr. Watanuki left for portugal where he attended Lisbon University to University Graduate School, Mr. Watanuki left for portugal where he attended Lisbon University to
study the history of diplomacy. He was then the first Japanese student who studied abroad since the study the history of diplomacy. He was then the first Japanese student who studied abroad since the
Second World War. Second World War.
Based in Portugal and Spain for 15 years, he visited many countries in Europe, Africa and South Based in Portugal and Spain for 15 years, he visited many countries in Europe, Africa and South
America. During this period, he switched his career from diplomatic history to art, and became part America. During this period, he switched his career from diplomatic history to art, and became part
of an artistic circle in Southern Europe. Thirty-nine of his artworks are now housed in museums in of an artistic circle in Southern Europe. Thirty-nine of his artworks are now housed in museums in
Europe and Africa including the National Museum of Modern Art in Lisbon, and several scores of Europe and Africa including the National Museum of Modern Art in Lisbon, and several scores of
books of his paintings have been published. books of his paintings have been published.
Mr. Watanuki believes that “ the way of living is the essence of art ”. Mr. Watanuki believes that "the way of living is the essence of art".
To him, painting, ceramic art, or glass, etc are modes of expressing his sensitivity and his world. To him, painting, ceramic art, or glass, etc are modes of expressing his sensitivity and his world.
Influenced by the spirit of zen and tea ceremony, his design perfectly embodies Influenced by the spirit of zen and tea ceremony, his design perfectly embodies
the 'wabi', 'sabi', 'shibusa', and 'kan'. Passionate by the origin of words and characters, he acquired the 'wabi', 'sabi', 'shibusa', and 'kan'. Passionate by the origin of words and characters, he acquired
expertise through years of study and use of Ancient Chinese characters and poems, zen writing expertise through years of study and use of Ancient Chinese characters and poems, zen writing
and the Analects of Confucius. Muhoan, is certainly a fascinating, playful world of words and and the Analects of Confucius. Muhoan, is certainly a fascinating, playful world of words and
characters. characters.
With his wide range of work that includes design, seal engraving, pottery, glass art, architecture, With his wide range of work that includes design, seal engraving, pottery, glass art, architecture,
garden design, poetry and prose, calligraphy, Japanese paper, sculpture, dyeing, textiles, the way garden design, poetry and prose, calligraphy, Japanese paper, sculpture, dyeing, textiles, the way
of tea and sweets served at a tea ceremony, Mr. Watanuki continues genuinely to develop and of tea and sweets served at a tea ceremony, Mr. Watanuki continues genuinely to develop and
spread “ Muhoan's artistic world ”. spread "Muhoan's artistic world".

THE ARTS IN BRAZIL A New Museum at São Paulo, P. M. BARDY ( 1956 )

Milano : Ed. del Miliono, 1956.
300p.
439 Ilustrações
Peso 3 oz  4 lbs
Preço à data (1956) - 13 $


Assinarura de posse de ilustre artista

75 €

A arte do cómico. Gravura. S.N.B.A. 1964

Lisboa : Sociedade Nacional de Belas Artes, 1964. In-8vo. (240 mm) de 42-[2] pp. Ilustr. Br. 
Com dedicatória autografa de F. R. (Autor da apresentação da exposiçao)

20 €

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IGREJA DE S.ta CRUZ DE COIMBRA ( Breve guia histórica-arqueológica ), António Nogueira GONÇALVES

Tip. da Gráfica de Coimbra, Coimbra, 1940. In-8.º de 46(1) págs. Br. Ilustrado ao longo do texto com fotografias de Rasteiro.



Vendido

O ALEIJADINHO, Fernando JORGE

São Paulo, 1971; DIFEL; 257 p.; Ilustrado com 12 fotos de página inteira extratexto; B.

30  €

JOAN MIRÓ, João Cabral de MELO

Rio de Janeiro, 1952; MES; 48 [II] p.; Ilustr. B.

25 €

João Cabral de Melo NETO ( 1920-1999 )

João Cabral de Melo Neto nasceu na cidade do Recife, a 9 de janeiro de 1920, filho de Luís Antônio Cabral de Melo e de Carmen Carneiro Leão Cabral de Melo. Eleito membro da Academia Brasileira de Letras em 15 de agosto de 1968, tomou posse de sua cadeira em 6 de maio de 1969.
Parte da infância de João Cabral foi vivida em engenhos da família nos municípios de São Lourenço da Mata e de Moreno. Aos dez anos, com a família de regresso ao Recife, ingressou João Cabral no Colégio de Ponte d’Uchoa, dos Irmãos Maristas, onde permanece até concluir o curso secundário. Em 1938 freqüentou o Café Lafayette, ponto de encontro de intelectuais que residiam no Recife.
Dois anos depois a família transferiu-se para o Rio de Janeiro mas a mudança definitiva só foi realizada em fins de 1942, ano em que publicara o seu primeiro livro de poemas - "Pedra do Sono".
No Rio, depois de ter sido funcionário do DASP inscreveu-se, em 1945, no concurso para a carreira de diplomata. Daí por diante, já enquadrado no Itamarati, inicia uma larga peregrinação por diversos países, incluindo, até mesmo, a República africana do Senegal. Em 1984 é designado para o posto de cônsul-geral na cidade do Porto (Portugal). Em 1987 volta a residir no Rio de Janeiro.
A atividade literária acompanhou-o durante todos esses anos no exterior e no Brasil, o que lhe valeu ser contemplado com numerosos prêmios, entre os quais - Prêmio José de Anchieta, de poesia, do IV Centenário de São Paulo (1954); Prêmio Olavo Bilac, da Academia Brasileira de Letras (1955); Prêmio de Poesia do Instituto Nacional do Livro; Prêmio Jabuti, da Câmara Brasileira do Livro; Prêmio Bienal Nestlé, pelo conjunto da Obra e Prêmio da União Brasileira de Escritores, pelo livro "Crime na Calle Relator" (1988).
Em 1990 João Cabral de Melo Neto é aposentado no posto de Embaixador. A Editora Nova Aguilar, do Rio de Janeiro, publica, no ano de 1994, sua "Obra completa".
A um importante trabalho de pesquisa histórico-documental, editado pelo Ministério das Relações Exteriores, deu João Cabral o título de "O Brasil no arquivo das Índias de Sevilha". Com as comemorações programadas neste final do século, relacionadas com os feitos dos navegadores espanhóis e portugueses nos anos que antecederam ou se seguiram ao descobrimento da América, e, em particular ao do Brasil, a pesquisa de João Cabral assume valor inestimável para os historiadores dos feitos marítimos, praticados naquela época.
Da obra poética de João Cabral podemos mencionar, ao acaso, pela sua variedade, os seguintes títulos: "Pedro do sono", 1942; "O engenheiro", 1945; "O cão sem plumas", 1950; "O rio", 1954; "Quaderna", 1960; "Poemas escolhidos", 1963; "A educação pela pedra", 1966; "Morte e vida severina e outros poemas em voz alta", 1966; "Museu de tudo", 1975; "A escola das facas", 1980; "Agreste", 1985; "Auto do frade", 1986; "Crime na Calle Relator", 1987; "Sevilla andando", 1989.
Em prosa, além do livro de pesquisa histórica já citado, João Cabral publicou "Juan Miró", 1952 e "Considerações sobre o poeta dormindo", 1941.
Os "Cadernos de Literatura Brasileira", notável publicação editada pelo Instituto Moreira Salles - dedicou seu Número I - março de 1996, ao poeta pernambucano João Cabral de Melo Neto, com selecionada colaboração de escritores brasileiros, portugueses e espanhóis e abundante material iconográfico.
Faleceu no dia 09 de outubro de 1999, no Rio de Janeiro, aos 79 anos

APONTAMENTOS DE ARTE Paisagem e História, Jaime FERREIRA

 

 

 

 

Porto.1949.In-8º de 47-I págs.B.

Com dedicatória do autor.

 

15 €

CONSIDERAÇÕES SOBRE AS ARTES PLÁSTICAS, Manuel MENDES

Seara Nova, Lisboa, 1944. In-8.º de 163(1) págs.; Ilustrado; Br.

20 €

Manuel MENDES ( 1906-1969)

Jornalista, ficcionista, ensaísta, tradutor, escultor e crítico de arte, Manuel Joaquim Mendes nasceu a 18 de janeiro de 1906 e faleceu a 4 de maio de 1969. Conviveu com António Sérgio, Raul Proença, Jaime Cortesão, Câmara Reis, colaborando em periódicos que marcaram a cultura portuguesa do segundo quartel do século XX, como Seara Nova, Revista de Portugal ou Vértice. Desenvolveu na clandestinidade atividade política de luta contra o regime salazarista, integrou a Frente Popular durante a Guerra Civil de Espanha, foi membro da Comissão Central do Movimento de Unidade Democrática, dirigiu a Ação Socialista Portuguesa. A sua obra literária, comprometida com as linhas fundamentais da prosa neorrealista, apresenta-nos gente comum, movendo-se no quadro de preocupações e situações quotidianas, descritas de forma direta e sem artifícios, numa escrita produzida por "mãos toscas mas sinceras", sob o imperativo fundamental de "narrar a inenarrável riqueza e frescura da realidade" (dedicatória a Adolfo Bravo in Estrada, Lisboa, 1952). As experiências de nomadismo e de viagem de algumas narrativas evocam a ânsia de partilhar o trilho do homem simples que caminha ao nosso lado, perscrutando, nessa caminhada comum, o seu sofrimento e as suas alegrias.

Bibliografia: Bairro, Lisboa, 1945; Estrada, Lisboa, 1952; Pedro, 1954; Alvorada, Romance, Lisboa, 1955; Segundo Livro do Bairro, Lisboa, 1958; Terceiro Livro do Bairro, Lisboa, 1960; Assombros, Lisboa, 1962; Roteiro Sentimental, 3 vols., 1964, 65, 67; História Natural, Lisboa, s/d; O Viajante, Lisboa, s/d; Os Ofícios, Lisboa, 1967; Antero de Quental, Lisboa, 1942; Considerações sobre as Artes Plásticas, Lisboa, 1949; Breve Perfil de Herculano, Porto, 1945; Oliveira Martins - O Homem e a Vida, Lisboa, 1947; Lembrança de Carlos Amaro, Lisboa, 1958; Abel Manta, Lisboa, 1958; Dórdio Gomes, Lisboa, 1958; Diogo de Macedo, Lisboa, 1959; Carlos Botelho, Lisboa, 1959; A Geração de 1870, Lisboa, 1962; Aquilino Ribeiro: a Obra e o Homem, 2.^a ed., Lisboa, 1977

ARTE Necessidade Vital, Mario PEDROSA

Rio de Janeiro, 1949; Livraria - Editôra da Casa do Estudante do Brasil; 235 p. Ilustrado com reproduções de obras em página inteira em extratexto; B.

25 €

CABO VERDE Pequena Monografia

Lisboa, 1961; Agência Geral do Ultramar; 50 p.; Ilustr. com 19 fotos e um mapa em extratexto; B.

15 €

GUINÉ Pequena Monografia

Lisboa, 1961; Agência Geral do Ultramar; 50 p.; Ilustr.com 27 fotos e um mapa em ectratexto; B.

15 €

SILVANA Louças de Viana e Outras Coisas do Minho CASINO ESTORIL 1999

Desdobravel em três partes, impresso nas duas faces
Inclui um manuscrito de Silvana dirigido a Mário de Oliveira, Arquitecto, Critico de Arte, Escritor, etc.

35 €

Vieira da SILVA ( 1908-1922 )

Uma das mais importantes pintoras europeias
da segunda metade do século XX
Nasceu em Lisboa em 13 de Junho de 1908;
morreu em Paris em 6 de Março de 1992.

Filha do embaixador Marcos Vieira da Silva, ficou órfã de pai aos três anos, tendo sido educada pela mãe em casa do avô materno, director do jornal O Século.
Tendo mostrado interesse, desde muito pequena, pela pintura e pela música começou a estudar pintura, a partir de 1919, com Emília Santos Braga e Armando Lucena. Em 1924, frequenta as aulas de Anatomia Artística da Escola de Belas Artes de Lisboa.
Em 1928 vai viver para Paris, acompanhada pela Mãe, indo visitar a Itália. No regresso começa a frequentar as aulas de escultura de Bourdelle, na Academia La Grande Chaumière. Mas abandona definitivamente a escultura, depois de frequentar as aulas de Despiau.
Começa então a estudar pintura com Dufresne, Waroquier e Friez, participando numa exposição noSalon de Paris. Conhece o pintor húngaro Arpad Szenes, com quem casa em 1930, e com quem visitará a Hungria e a Transilvânia.
Em 1935 António Pedro organiza a primeira exposição da pintora em Portugal, e que a faz estar em Portugal por um breve período, até Outubro de 1936, após o qual voltará para Paris, onde participará activamente na associação «Amis du Monde», criada por vários artistas parisienses devido ao desenvolvimento da extrema direita na Europa.
Regressará em 1939, devido à guerra, já que para o seu marido, judeu húngaro, a proximidade dos nazis o incomoda, naturalmente. Ficará em Portugal por pouco tempo, pois o governo de Salazar não lhe restitui a cidadania portuguesa, mesmo tendo casado pela igreja. Não deixa de participar num concurso de montras, realizado no âmbito da Exposição do Mundo Português, que também lhe encomendou um quadro, mas cuja encomenda será retirada.
O casal de pintores decide-se a ir para o Brasil, até porque as notícias sobre uma possível invasão de Portugal pelo exército alemão não são de molde a os sossegar.
Em Brasil serão recebidos de braços abertos, recebendo passaportes diplomáticos, que substituem os de apátridas emitidos pela Sociedade das Nações, tendo mesmo recebido uma proposta de naturalização do governo.
Residirão no Rio de Janeiro até 1947, pintando, expondo e ensinando, regressando Vieira da Silva primeiro que o marido, retido pelos seus compromissos académicos.
É a época em que Vieira da Silva começa a ser reconhecida. O estado francês compra-lhe La Partie d'échecs, um dos seus quadros mais famosos. Vende obras suas para vários museus, realiza tapeçarias e vitrais, trabalha em gravura, faz ilustrações para livros, cenários para peças de teatro.
Expõe em todo o mundo e ganha o Grande Prémio da Bienal de São Paulo de 1962, e no ano seguinte o Grande Prémio Nacional das Artes, em Paris,
Em 1956, foi-lhe dada a naturalidade francesa.

Vicente Aguilera CERNI ( 1920 - 2005 )

(Valencia, 1920 - 1 de enero de 2005) fue un crítico de arte, ensayista y académico de la Comunidad Valenciana, España. Fue Presidente del Consejo Valenciano de Cultura entre 1994 y 1996.

Vicente Aguilera estudió Derecho y Filosofía y Letras en la Universidad de Valencia, siendo uno de los creadores del Grupo Parpalló de Valencia, que en la década de 1950 promovió la vanguardia en la ciudad y en las décadas siguientes favoreció varios grupos e iniciativas renovadoras.

Aguilera Cerni fue director y fundador del Museo de Arte Contemporáneo de Vilafamés y miembro del patronato del Museo Español de Arte Contemporáneo de Madrid y de la Junta Rectora del Museo de Arte Contemporáneo de Elche. Presidió la Asociación Española de Críticos de Arte y también el Consejo Valenciano de Cultura de la Generalidad Valenciana.

Autor de numerosos libros, entre ellos cabe destacar "La aventura creadora", "Julio González, panorama del nuevo arte español", "Iniciación al arte español", "Porcar, documentos y testimonio", "Diccionario de arte moderno", "Joaquín Vaquero, Luis Prades y Ripolles ".

En 1959 le fue concedido el Primer Premio Internacional de la Crítica en la XXIX Bienal de Venecia y ese mismo año consiguió el Premio Pi Suñer. En 1995 la medalla de oro de la Presidencia del Consejo de Ministros de Italia y en 1989, el Premio de las Letras Valencianas.

En los últimos años era presidente de honor de la Asociación Española de Críticos de Arte, Académico de Bellas Artes de San Carlos y doctor honoris causa por la Universidad Politécnica de Valencia (UPV).

Murió el 1 de enero de 2005 en su domicilio de Valencia con 84 años de edad.

Sérgio TELLES

Sergio Telles nasceu em 1936 no Rio de Janeiro e começou a pintar aos 9 anos na Quinta da Boa Vista orientado por Levino Fânzeres, umpaisagista. Em 1954 Sergio Telles participou pela primeira vez do Salão Nacional de Belas Artes, ocasião em que foi agraciado com uma viagem à Bahia. No ano seguinte realizou sua primeira exposição individual no Rio de Janeiro.
Em 1957 Sergio Telles viajou para a Europa e visitou os principais museus na Itália, França, Holanda e Portugal. Naquele mesmo ano, na condição de estagiário, prestou serviços de restauração na Pinacoteca do Vaticano. Depois de seu retorno ao Brasil, trabalhou nos ateliês deRodolfo Chambelland, Oswaldo Teixeira e Marie Nivouliès de Pierrefort, no Rio de Janeiro. Em 1964, ingressou no Ministério das Relações Exteriores por concurso público e, como diplomata, exerceu diversas funções no Brasil e em países como Portugal, Argentina, Angola, Japão, França, Malásia, Líbano, Suíça e Tunísia. Regressou ao Brasil em 2006 e reside em São Paulo.
A obra de Sergio Telles, desenhos, aquarelas, gravuras e pinturas realizadas no Brasil, França, Portugal, Líbano, e Tunísia (paisagens urbanas, praias, mercados, bailes populares, interiores de seus ateliês) figura em museus importantes como o Carnavalet, o Beaubourg, o de Arte Moderna de Paris, Grenoble e Marselha, o Petit Palais de Genebra, o Hermitage de São Petersburgo, o Pouchkine de Moscou, o MASP de São Paulo, o Museu Nacional de Belas Artes do Rio de Janeiro, a Fundação Gulbenkian e o Museu de Lisboa, o Bridgestone de Tóquio, o Albertina de Viena e o Palácio Kheireddine de Túnis.
Suas principais exposições foram organizadas por alguns dos museus acima listados salientámos a de 1971 em Paris, denominada « Paysages du Portugal » e as realizadas pelas galerias Wildenstein de Londres. Buenos Aires, Bernheim Jeune, « La Cave » e Claude Marumo em Paris, Perron em Genebra, Jean Boghici no Rio de Janeiro, Renato Magalhães Gouvêa em São Paulo, S. Mamede em Lisboa, Nuno Lima de Carvalho no Estoril, Fujikawa em Tóquio e Stuker em Zurique.
Textos sobre a pintura de Sergio Telles foram escritos por críticos de arte e intelectuais como Mário de Oliveira ( Portugal ), Bernard Dorival, Gaston Diehl, Raymond Cogniat, Arnaud d’Hauterives, Pierre Courthion, Pierre Seghers, Henri Dauberville, Jeanine Warnod (Paris), François Daulte (Lausanne), Antonio Bento,Jorge Amado, Olivio Tavares de Araujo, Ferreira Gullar, Fabio Magalhães, Carlos Drummond de Andrade, Mario Barata, Clarival do Prado Valladares, José Roberto Teixeira Leira, Jacob Qlintowitz, Gilberto Gil, Rachel de Queiroz (Rio e São Paulo), Antonio Valdemar, José Carlos Vasconcellos, Fernando Namora (Lisboa), Rafael Squirru, Cesar Magrini, Eduardo Baliari, Sigmart Blum (Buenos Aires), Chisaburo Yamada, Yasuo Kamon (Tóquio). Tratam-se de impressões que figuram em livros, álbums de gravuras e catálogos de suas exposições publicados na França, Brasil, Argentina, Portugal, Tunísia e Japão.
Catálogos de exposição
Paysages du Portugal, Fondation Calouste Gulbenkian, Paris, 1971, textos de Jorge Amado, Mário de Oliveira, Henri Dauberville, Oscar Lopes, Fernando de Pamplona e outros; Galeria Wildenstein, Buenos Aires, 1972, textos de Henry Dauberville, Jorge Amado e Rafael Squirru;Pinacoteca de São Paulo, 1973, textos de Pedro de Magalhães Padilha, Jorge Amado, Artur Maciel e Aldo Galli;Mangue, Ruas, Retratos, Bolsa de Arte do Rio de Janeiro, 1975, textos de Raymond Cogniat et de Clarival do Prado Valladares;Sergio Telles: voyage au pays de Protée, Museu Nacional de Belas Artes, Rio de Janeiro, 1976, texto de César Magrini;Catálogo da exposição no Museu Nacional de Belas Artes, Rio de Janeiro, 1976;Galerie La Cave, Paris, 1977;Galerie Wildenstein, Tóquio, 1980, textos de Yasuo Kamon, François Daulte, Gaston Diehl e Bernard Dorival;Exposition Itinerante au Japon, Tóquio, 1980, textos de Pierre Courthion, François Daulte, Yasuo Kamon, François Daulte e Bernard Dorival;Musée Carnavalet, Paris, 1982, textos de Bernard de Mongolfier, Sergio Telles, Pierre Courthion, Pierre Mazars, Pierre Seghers, François Daulte, Gaston Diehl, Bernard Dorival;Le Japon, Galerie La Cave, Paris, 1982, Ed. du Perron; Galeria Jean Boghici, Rio de Janeiro, 1983, textos de Gerardo Mello Mourão, Pierre Courthion, Pierre Seghers, Bernard Dorival;Rio de Janeiro visto por Sergio Telles, Rio de Janeiro, 1986, Galeria Olívia Kann, texto de Rubem Braga;Viagens, retrospectiva no Museu de Arte de São Paulo (MASP), 1988, textos de P.M. Bardi, Fernando Namora, Chisaburo Yamada, Maurice Pianzola e Yasuo Kamon;Galeria São Mamede, Lisboa, 1988, texto de Fernando Namora; Retrospectiva, Fundação Calouste Gulbenkian, Lisboa, 1988, texto de José Sommer Ribeiro, Gaston Diehl, Fernando Namora e Sergio Telles;São Paulo visto por Sergio Telles, São Paulo, 1988, Galeria Renato Magalhães Gouvêa;Galeria Bonino, Rio de Janeiro, 1989, texto de Sergio Telles, Rio de Janeiro, 1989;Galerie du Perron, Genebra, 1989, textos de Gaston Diehl e Maurice Pianzola;Voyages, Galerie Claude Marumo, Paris, 1990, textos de Pierre Seghers, Gaston Diehl, Mario Carelli, Bernard de Mongolfier;Hommage à la Tunisie, Tunis, 1990, Galerie de la Culture et de l’information, textos de Gaston Diehl e Manuela de Azevedo;Portugal na obra de Sergio Telles, Estoril, 1991, textos de Nuno Lima de Carvalho, Oscar Lopes, Antônio Valdemar, Joaquim-Francisco Coelho, Carlos Drummond de Andrade, Jorge Amado e Sergio Telles;Renato Magalhães Gouvêa, São Paulo, 1994, texto de Renato Magalhães Gouvêa;Galeria Belas Artes, Rio de Janeiro, 1994, texto de Ferreira Gullar;Os ateliers do viajante, retrospectiva, Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro, 1995, textos de Cláudio Telles e José Roberto Teixeira Leite;Banco do Desenvolvimento de Minas Gerais (BDMG),1995, texto de Ferreira Gullar e cartas a Sergio Telles de Carlos Drummond de Andrade;Liban Lumières, Galerie Jean Boghici, Artuel, Foire Internacional d´Art Contemporain, Beirute, 2000, textos de Maurice Pianzola e Gaston Diehl;Portugal, Fondation Calouste Gulbenkian, Paris, 2001, textos de Francisco Betancourt, Marcos de Azambuja e António Monteiro;Musée de la Ville de Tunis, Ed. Simpact, Tunis, 2004;Ruas e ateliers de Sergio Telles, Galeria Arte 57, São Paulo, 2005.
Obras de referência
Dicionários de arte na França: E. Bénezit Dictionaire des Peintres, Dessinateurs et Graveurs, Editions Grund, Paris, 1999;Annuaires Akoun, Bordas, Mayer, Officiel des Arts;Dicionário de Pintores e Escultores Portugueses ou que trabalharam em Portugal, por Fernando Pamplona, Ed. Livraria Civilização, Barcelos, Portugal;Portuguese 20th Century Artists, Michael Tannock, Phillimore & Co. Ltd. Chichester, West Sussex, England, 1978;L´Oeil, Ed. N.S. Lausanne, octobre 1978, septembre 1982, novembre 1990;Julio Pacello e suas Edições de Arte, Ed. Ministério das Relações Exteriores, Brasília, 1980; Cotação dos artistas Portugueses em Leilão, Jean Pierre Blanchon;Dicionário Crítico da Pintura no Brasil, Ed. Artlivre, Rio de Janeiro, 1988;150 anos de Pintura no Brasil:1820-1970, Coleção Sergio Fadel, Ed. Colorama, Rio de Janeiro, 1989; Natureza: quatro séculos de arte no Brasil, Centro Cultural Banco do Brasil, Rio de Janeiro, 1992;Matrizes e gravuras brasileiras da coleção Guita e José Mindlin, Ed. Fondation Calouste Goulbenkian Centro de Arte Moderna, Lisboa, 1993;Arte 57, Ed. da Galeria, Texto de Olívio Tavares Araújo, São Paulo, 2005;Arte Moderna, o Olhar do Colecionador, Sergio Fadel, Ed. Fadel, Rio de Janeiro, 2006; MASP Museu de Arte de São Paulo Assis Chateaubriand, Catálogo Geral, Ed. 2008.
Museus e Bibliotecas Nacionais e Internacionais que possuem suas obras
Masp - Museu de Arte de São Paulo; Carnavalet; Nacional de Arte Moderna; Arte Moderna das Cidades de Paris, Grenoble, Lyon, Rouen,Limoges, Bordeaux, Caen, Cantini, Marselha; Grão Vasco, Viseu; Nacional Soares dos Reis, Porto; Évora de Lisboa; Petit Palais, Genebra; Arte Moderna do Rio de Janeiro; Nacional de Belas Artes, Rio de Janeiro; Arte Moderna, Buenos Aires; Arte Moderna, Kobe; Bridgestone, Tokyo; Pouchkine, Moscou; Hermitage, São Petersburgo; Fundações Calouste Gulbenkian, Lisboa, Paris e do Hermitage em Lausanne; Galeria Nacional, Kuala Lumpur, Malásia; Graphischem Sammlung Albertina, Viena; Museu da Cidade de Túnis e as Bibliotecas Nacionais de Paris, Tóquio, Rio de Janeiro e Lisboa.

Nadir AFONSO

Nadir Afonso nasceu em Chaves em 1920.
Diplomou-se em Arquitectura na Escola Superior de Belas-Artes do Porto.
Em 1946, estuda pintura na École des Beaux-Arts em Paris, e obtém por intermédio de Portinari uma bolsa de estudo do governo francês e até 1948 e em 1951 colaborador do arquitecto Le Corbusier e serviu-se algum tempo do atelier Fernand Léger.
De 1952 a 1954, trabalha no Brasil com o arquitecto Oscar Niemeyer em Brasilia.
Nesse ano, regressa a Paris, retoma contacto com os artistas orientados na procura da arte cinética, desenvolvendo os estudos sobre pintura que denomina “Espacillimité”.
Na vanguarda da arte mundial expõe em 1958 no Salon des Réalités Nouvelles “espacillimités” animado de movimento.
Em 1965, Nadir Afonso abandona definitivamente a arquitectura; consciente da sua inadaptação social, refugia-se pouco a pouco num grande isolamento e acentua o rumo da sua vida exclusivamente dedicado à criação da sua obra.
Diplomou-se em Arquitectura na Escola Superior de Belas-Artes do Porto.
Realiza as primeiras exposições como aluno da Escola de Belas-Artes participando em todas as exposições do Grupo dos Independentes até 1946.
Em 1946, estuda pintura na École des Beaux-Arts em Paris, e obtém por intermédio de Portinari uma bolsa de estudo do governo francês e até 1948 e em 1951 colaborador do arquitecto Le Corbusier e serviu-se algum tempo do atelier Fernand Léger.
De 1952 a 1954, trabalhou no Brasil com o arquitecto Oscar Niemeyer.
Nesse ano, regressou a Paris, retomando contacto com os artistas orientados na procura da arte cinética, desenvolvendo os estudos sobre pintura que denomina “Espacillimité”.
Na vanguarda da arte mundial, expõe, em 1958, no Salon des Réalités Nouvelles, o trabalho “espacillimités”, animado de movimento.
Em 1965, Nadir Afonso abandona definitivamente a arquitectura; consciente da sua inadaptação social, refugia-se pouco a pouco num grande isolamento e acentua o rumo da sua vida exclusivamente dedicado à criação da sua obra.
Em Janeiro de 2009 foi apresentado em Chaves o projecto da autoria de Siza Vieira da sede da Fundação Nadir Afonso, um empreendimento orçado em 8,5 milhões de euros e que deverá abrir ao público em 2011.

Mário de OLIVEIRA

Mário de Oliveira formou se em Arquitectura e especializou se em urbanismo. Vive faz cerca de duas décadas em Vila Real, nunca deixando de exercitar as artes e as letras. É um artista plástico de grandes recursos, crítico de arte, jornalista e escritor. Do opúsculo da sua autoria, Vila Real, 1986, extraímos o seguinte perfil deste multifacetado cidadão. "Mário de Oliveira é hoje, indiscutivelmente, um dos mais categorizados críticos portugueses de Artes Plásticas. Este facto põe em relevo todo o conjunto de compartimentações culturais que lhe são próprias e que convergem para o fim acima declarado: arquitectura, pintura, ensaísmo e paisagística. Em todos estes ramos das Artes Plásticas se tem evidenciado Mário de Oliveira. Temperamento essencialmente independente e livre, ele tem se destacado na critica ao quotidiano artístico pela sua isenção e pela sua aversão a "grupos" ou a "capelas" que significam, na maior parte dos casos, arregimentação a fins secundários, que nada têm a ver com a Arte. As suas interpretações da paisagem e do homem integrado nela, no impressionismo da visão e transmissão imediata à escrita, fazem no senhor de um modo literário que o afirma como estilista muito original e, outras vezes, como poeta de ressonâncias líricas a que um humanismo telúrico não é estranho. Seria longo enumerar as suas exposições mais representativas de arquitectura e de paisagística, dimensionando essa sua actividade a todo o espaço português, sem nele diminuir a sua tensão lusíada de forte inspiração universal. No entanto, a sublinhar uma carreira de artista plástico,de ensaísta e crítico de Arte, mencionaremos que Mário de Oliveira é Prémio de Crítica de Arte da Fundação Calouste Gulbenkian (1962) além de Prémio Internacional de Crítica de Arte (1964), em Madrid. Tem sido Comissário de Portugal às Bienais de S. Paulo, Madrid, Barcelona, e Medell.n (Colômbia) e tem seleccionado nos últimos anos artistas portugueses para a Exposição Internacional Joan Miró. É, também, membro titular da Association Internacionale des Critiques d'Art (A.I.C.A.), e tem feito parte de júris internacionais nas exposições de arte. Publicou vários volumes sobre urbanismo e arquitectura, e tem defendido a conservação da paisagem e do património artístico português. Como hispanista tem dado a conhecer entre nós os grandes pintores modernos espanhóis, e tem escrito vários ensaios sobre a arte espanhola, e sua paisagem. Foi crítico de arte do "Diário Popular", "Diário de Notícias" e fez crítica semanal nos jornais "O País" e "Tempo". Arte e Vida de Sorolho (esgotado); Outra vez com Goya (esgotado); Arquitectura no Plano Nacional (esgotado); Solana herdeiro de Goya (esgotado); Urbanismo no Ultramar em espanhol, francês e inglês (esgotado); Povoamentos no Ultramar (esgotado); Estética da Paisagem Natural Rias Baixas da Galiza (esgotado); Três ensaios de pintura de Vieira da Silva; A "Pop" Arte e Outras Artes; Três atitudes estéticas em Sansegundo Castanêda (esgotado) ; Uma carta e vinte poemas de amor (esgotado); "Os primeiros 100 anos de Picasso"; Poemas de Amor e Desespero; Poemas do Pensamento (esgotado); Poemas desde mim".

Manuel JARDIM ( 1883-1923 )

Artista plástico nascido em 1883, em Montemor-o-Velho, e falecido em 1923, em Lisboa. Frequentou a Escola de Belas-Artes de Lisboa de 1903 a 1905, altura em que abandonou o curso e na companhia de Eduardo Viana e Manuel Bentes partiu para Paris onde estudou na Academie Julian sendo discípulo de J. -P. Laurens. O interesse que nutria pela obra de Rodin ou pela arte social de Forain e Steinlen espelhou-se na sua obra, realizando desenhos delicados que, no aspeto formal, devem também muito ao seu gosto pelos intimistas de cariz impressionista. Em 1911 foi, talvez, o primeiro pintor português a compreender a modernidade francesa enraizada em Manet. Aliás, no seu quadro Le déjeuner, realizado e exposto em Paris nesse ano, é notória a influência de Manet. Este quadro só foi exposto em Portugal oito anos mais tarde, na Sociedade Nacional de Belas-Artes (SNBA), sendo mal acolhido pela crítica.
Regressa a Portugal por ocasião da Primeira Guerra Mundial. Juntamente com José Pacheco tenta, em vão, criar uma sociedade portuguesa de arte moderna (1919). Demarcou-se, também, no plano da ilustração realizando este tipo de trabalho de 1922 a 1926 para a revista Contemporânea. Apesar de, em 1920, ter tentado reinstalar-se em Paris, a tuberculose não o deixou voltando logo no ano seguinte. Dois anos após a sua morte, Eduardo Viana homenageou-o no Salão de outono da SNBA juntando obras de três artistas desaparecidos: Manuel Jardim, Amadeo de Souza-Cardoso e Santa-Rita Pintor.

Julio POMAR

“Júlio Pomar nasceu em Lisboa em 1926. Frequentou a Escola de Artes Aplicadas “António Arroio” e as Escolas de Belas Artes de Lisboa e do Porto.
Expôs pintura em 1943, pela primeira vez.
Em 1945, fez uma estadia em Évora integrada na IX Missão Estética de Férias, onde realiza as primeiras experiências de tendência reslista
No mesmo ano dirige uma páginas de arte no diário do Porto “A Tarde”.
Nos dois anos seguintes colabora assiduamente com artigos e desenhos em várias revistas literárias; pinta os frescos do Cinema Batalha, no Porto, cidade onde realiza a sua primeira exposição individual (Galeria Portugália, 1947). Além da participação regular em exposições colectivas, realiza desde então várias exposições individuais.Em 1956, também executa alguns vidros de arte na Fábrica-Escola Irmãos Stephens, na Marinha Grande.
Neste mesmo ano está representado na Exposição de Arte Contemporânea na Associação de Estudantes da Faculdade de Ciências, em Lisboa, que foi supervisionada por José Augusto França.
Em 1960 realiza as primeiras esculturas com ferros soldados e a série de quadros: “Tauromaquia”. E ainda o políptico “”O Estaleiro”.
Com os painéis “O Estaleiro”, Júlio Pomar atinge um dos pontos mais elevados da sua arte e, ao mesmo tempo, atinge uma etapa promissora de novas inquietações. A sua obra futura, como a de todos os grandes artistas, apresenta-se sob o signo de uma profunda interrogação.”

Este texto foi coligido pelo crítico de arte José Ernesto de Sousa e publicado na “Colecção de Arte Contemporânea” (Ed. Artis), em Dezembro de 1960. Já lá vão quase 47 anos…

A interrogação que então faz sobre o futuro artístico de Pomar desfez-se muito rapidamente. Pomar é um nome que se firmou na pintura e tornou-se num dos máximos expoentes nas artes, em Portugal.

Juan Antonio Gaya NUÑO ( 1913-1976 )

Juan Antonio Gaya Nuño (Tardelcuende, Província de Sória, 1913 — Madrid, 1976) foi um historiador e crítico de arte espanhol.

Sua obra foi bastante extensa e caracterizada por sua erudição e independência crítica. Destacam-se nela a visão apaixonada pela arte espanhola, seus estudos monográficos sobre pintores clássicos e contemporâneos, como Bartolomé Esteban Murillo, Francisco de Goya, Diego Velázquez, Francisco de Zurbarán, Luis de Morales, Fernando Gallego e também Juan Gris, Francisco Cossío e Pablo Picasso, entre outros, assim como pela visão geral de seus manuais de história da arte e de seus guias de museus.

Pertenceu à Hispanic Society de Nova Iorque e ao Instituto de Coimbra.

José Paulo Moreira da FONSECA ( 1922-2004 )

Pintor, teatrólogo e poeta brasileiro nascido no Rio de Janeiro RJ, especialista na reprodução de fachadas típicas do casario brasileiro oitocentista. Diplomado em direito (1945) e doutor pela Faculdade de Filosofia (1948), estreou como poeta com Elegia diurna (1947). Consagrou-se como poeta com a publicação de Raízes, quando conquistou o Prêmio Graça Aranha (1957) e, no ano seguinte, com Três livros, foi agraciado com seu primeiro Prêmio Jabuti, um dos mais importantes do Brasil e concedido pela Câmara Brasileira do Livro. Ganhou seu segundo Jabuti com o livro Luz sombra (1974). Além de poesia, publicou duas peças de teatro: Dido e Enéias (1953) e O mágico (1963).Em 1965 publica a que consideramos sua melhor obra "Exposição de Arte Temas Gerais e Artes Plásticas no Brasil"
Paralelamente às atividades literárias também pintava como autodidata e fez sua primeira exposição no Salão Nacional de Arte Moderna Rio de Janeiro (1957). Nos anos seguintes, suas obras foram exibidas em mostras individuais em São Paulo, Frankfurt, Lisboa, Londres, Viena, Munique, Bonn e Rio de Janeiro. Participou da exposição de artistas brasileiros contemporâneos em Londres e Viena e de outras coletivas no exterior e faleceu no Rio de Janeiro. Suas obras fazem parte do acervo de instituições de artes como o Museu Nacional de Belas-Artes, no Rio de Janeiro, do Museu Nacional de Olinda, em Pernambuco e do Museu Nacional de Jerusalém, em Israel.

José GUTIÉRREZ-SOLANA ( 1886-1945 )

O Trabalho de Solana mostra-nos uma realidade obscura onde se move com a maior naturalidade procissões,máscaras,traperos,mulheres da vida.

José Gutiérrez Solana nasceu em Madrid em 1886 e morreu na mesma cidade em 1945.
Criador de um Expressionismo peculiar e trágico. A sua pintura é de uma grande solidez,a pastosidade é uma das características dos seus trabalhos sendo as cores dominantes o ocre e os negros. Com a utilização destas cores pretendia criar uma composição de carácter pessimista e criar um ambiente trágico,mesmo quando introduziu um maior colorido nas suas obras usou-as sempre como gamas apagadas.
Entre os seus temas preferidos encontram-se :
Usos e costumes do povo,festas populares,tabernas, postíbulos ,bailes populares,coristas,ambientes marginais da realidade do momento

Os seus quadros mostram-nos uma série de estereótipos que reflectem a visão do pintor sobre uma realidade contraditória e complexa.
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Spanish painter and writer. His private tuition in art from 1893 was furthered with studies at the Real Academia de Bellas Artes de San Fernando in Madrid from 1900 to 1904. On completing his studies he began to frequent the Nuevo Café de Levante, where he met many writers of the ‘Generation of 1898’ movement. Their irony, satire and melancholy strongly influenced Solana’s painting and literary work, such as his first book of essays on contemporary life in Spain, Madrid, Escenas y costumbres (Madrid, 1913, 2/1918). From the 1920s he exhibited widely in Spain and in group exhibitions abroad. In his paintings, influenced above all by Goya and by Spanish Baroque masters such as Juan de Valdés Leal, he treated subjects such as death, as in The Procession of Death (1930; Madrid, Mus. A. Contemp.), prostitution and alcoholism.

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Su padre, José Tereso Gutiérrez-Solana, nació en México y vino a España gracias a una herencia. Se casó con Manuela Josefa Gutiérrez-Solana.

Estudió en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando; después alternó estancias entre Cantabria y Madrid, pero tuvo tiempo para viajar por los pueblos y hasta para ser peón de la cuadrilla del torero Bombé, aunque vivió holgadamente con el dinero de su padre. Por fin se instala en Madrid a finales de 1917. Allí frecuenta las afueras de todo, asistiendo a bailes, merenderos y museos suburbanos del paseo del Prado, como el (entonces) solitario y destartalado Museo Arqueológico Nacional. Se acompaña de su inseparable hermano Manuel, que es cantante.

Solana crea un propio estilo, nada académico ni inclinado a las vanguardias, por más que frecuente la intelectualidad reunida en la tertulia de Pombo, cuyo animador y amigo Ramón Gómez de la Serna le dedicó un libro entero, a lo que correspondió el pintor con su cuadro Mis amigos (1920), donde pinta tal tertulia en torno a una mesa (Museo Reina Sofía de Madrid). Ramón conoció a Solana en la exposición que este hizo en el Círculo de Bellas Artes en enero de 1907.

Gutiérrez Solana hizo una primera exposición en París (1928), que resultó un fracaso. En otra a la que acudió Alfonso XIII, sus cuadros se colgaron detrás de una puerta para que no incomodasen al monarca. Pero en 1936, cuando comienza la Guerra Civil, Solana es famoso y reconocido fuera y dentro de España. Se traslada a Valencia y luego a París, donde publica París (1938). En 1939 vuelve a Madrid, donde fallece el día de San Juan, el 24 de junio de 1945.

Obra

Su pintura refleja, como la de Darío de Regoyos y la de Ignacio Zuloaga, una visión subjetiva, pesimista y degradada de España similar a la de la Generación del 98.

Fuera de la influencia que en él ejercen los pintores del tenebrismo barroco, en especial Juan de Valdés Leal, tanto por su temática lúgubre y desengañada como por las composiciones de acusado claroscuro, es patente la influencia de las Pinturas negras de Francisco de Goya o del romántico Eugenio Lucas. Su pintura es feísta y destaca la miseria de una España sórdida y grotesca, mediante el uso de una pincelada densa y de trazo grueso en la conformación de sus figuras. Su paleta tenebrista resalta el oscurantismo de una España divida en tres temas: las fiestas populares (El entierro de la sardina), los usos y costumbres de España (La visita del obispo) y los retratos (1920, Mis amigos).

Su pintura, de gran carga social, intenta reflejar la atmósfera de la España rural más degradada, de manera que los ambientes y escenarios de sus cuadros son siempre arrabales atroces, escaparates con maniquíes o rastros dignos de Valle-Inclán (por los que sentía especial predilección), tabernas, "casas de dormir" y comedores de pobres, bailes populares, corridas, coristas y cupletistas, puertos de pesca, crucifixiones, procesiones, carnavales, gigantes y cabezudos, tertulias de botica o de sacristía, carros de la carne, caballos famélicos, ciegos de los romances, "asilados deformes", tullidos, prostíbulos, despachos atiborrados de objetos, rings de boxeo, ejecuciones y osarios.

Bibliografía

Trabaja también el grabado, generalmente al aguafuerte, insistiendo en una técnica directa y más bien ruda, de trazos gruesos. Salvo alguna rara excepción, los diseños repiten pinturas anteriores. Apenas publicó alguna edición en vida; la tirada más importante se emitió en 1963, previamente a la cancelación y depósito de las planchas en la Calcografía Nacional (dependiente de la Academia de San Fernando).

Como escritor posee un estilo semejante, de grandes cualidades descriptivas, vigoroso y enérgico, apropiado para la estampa costumbrista. Por ello la mayoría de sus obras son libros de viajes. Sus escritos más importantes son Madrid: escenas y costumbres (1913 y 1918, dos vols.), La España negra (1920), Madrid callejero (1923) y Dos pueblos de Castilla (1925). También escribió una novela, Florencio Cornejo, en 1926.

A veces utilizó fotografías ajenas, como modelo para sus pinturas. El ejemplo más claro se constata en su obra titulada "Café cantante", que copia casi literalmente el encuadre y parte de los personajes de la famosa fotografía titulada "Café cantante" de Emilio Beauchy, tomada hacia el año 1885 en Sevilla.

• Obras literarias completas, Madrid, ¿1958?
• Obras completas, (ed. Camilo José Cela), Madrid, Taurus, 1961. Reimpreso en dos vols. Madrid, Fundación Central Hispano, 1998.
• Madrid: escenas y costumbres (1913 y 1918, dos vols.).
• La España negra, 1920. Reimpreso modernamente por Andrés Trapiello, Granada, Comares, 2000.
• Madrid callejero, 1923. Reimpreso modernamente por Teodoro Santurino Sanchís, Madrid, Editorial Castalia, 1995.
• Dos pueblos de Castilla, 1925.
• Florencio Cornejo, 1926.

José AUGUSTO-FRANÇA

Ficcionista, ensaísta e crítico de arte, nascido em 1922, em Tomar, diplomado pela École d'Hautes Études de Paris e doutorado pela Sorbonne, é membro de academias de artes e cultura em Portugal e em França. Dedicando-se especialmente à investigação e ao ensaísmo, dirigiu o Departamento de História de Arte da Universidade Nova de Lisboa.
Foi presidente do ex-Instituto de Cultura e Língua Portuguesa e da Academia de Belas-Artes e director do Centro Cultural Calouste Gulbenkian, em Paris.
Enquanto teórico e divulgador, pertenceu ao Grupo Surrealista de Lisboa, de que fizeram parte, entre outros, Mário Cesariny de Vasconcelos e Alexandre O'Neill. Colaborou, com artigos de crítica de arte e cinema, em inúmeras revistas e jornais literários portugueses e estrangeiros, destacando-se, no último caso: Art d'Aujourd'hui e Cahiers du Cinema e foi director de Unicórnio e co-director de Cadernos do Meio-Dia.
Destacam-se na sua obra Amadeo de Souza-Cardoso, e Vieira da Silva da Colecção de Arte Contemporânea da Altis assim como Natureza Morta, Despedida Breve (ficção); Azazel (teatro); e no ensaio: Charles Chaplin, o "Self Made Myth", Almada Negreiros, o Mestre sem Obra, O Romantismo em Portugal e O Modernismo na Arte Portuguesa.

Henrique POUSÂO ( 1859-1884 )

Nasceu em Vila Viçosa, no dia 1 de Janeiro de 1859, fruto da União matrimonial de Francisco Augusto Nunes Pousão, bacharel em Direito, com Maria Teresa Alves de Araújo. De entre os seus antepassados familiares contam-se alguns pintores: o seu avô materno, Caetano Alves de Araújo, autor de um óleo sobre tela existente na capela do Santíssimo Sacramento da Igreja de Nossa Senhora da Conceição de Vila Viçosa, intitulado “Instituição do Santíssimo Sacramento”, o seu bisavô paterno, António Pousão, cujos trabalhos pictóricos mais assinaláveis podem ser vistos no Convento de São Paulo da Serra de Ossa, no Redondo. Em 1863, muda-se com os pais para Elvas, onde cursa a escola primária. Em 1869, executa um desenho, “Retrato da Prima”, que revela bem os traços promissores de um artista em potência. Em 1871, Pousão e os seus pais mudam-se para Barcelos, aí ficam por alguns meses e, depois, deslocam-se para o Porto.
Em 1872, com 13 anos de idade, inicia os estudos na Academia de Belas Artes do Porto, após aprendizagem feita com o pintor António José da Costa.
Em 1873 conquista os seus primeiros prémios artísticos, na disciplina de Desenho Histórico. Em 1880 termina o seu curso de pintura e, nesse ano, concorre e consegue uma bolsa no estrangeiro. Segue para Paris, por um ano, com passagem por Madrid e pelo Museu do Prado. Em Paris, durante o ano de 1881, estuda nos ateliers de pintura de Yvon e de Cabanel. Trabalha até à exaustão e adoece com uma forte constipação, que degenera em tuberculose. À procura de melhor clima para o seu restabelecimento físico leva-o a Puy-de-Dome, a Marselha e, por fim, a Itália onde, depois de Turim e Pisa, permanece em Roma.
No verão de 1882, desloca-se à ilha de Capri onde, extasiado pela luz mediterrânica, pinta a suas melhores obras, diversas paisagens e o conhecido óleo “Casa das Persianas Azuis”.
No final do verão de 1883 regressa a Portugal percorrendo a costa mediterrânica e a 15 de Novembro chega a Vila Viçosa.
Em 1884 pinta as suas últimas obras: “Aspecto da casa do primo Matroco”, onde faleceu, “Rosas num Copo”, pintado para ser oferecido ao seu médico Dr. Couto Jardim e outras de tema floral, destinados a ser oferecidos ao sue primo Matroco.
Entre 20 e 27 de Março de 1884, Henrique Pousão morre vítima de tuberculose pulmonar.

Helena ALMEIDA

Helena Almeida nasceu em Lisboa em 1934. Tirou o curso de pintura da Escola Superior de Belas Artes de Lisboa.

Filha do escultor Leopoldo de Almeida, começou a expor regularmente a partir do fim da década de 60. Nos finais dos anos 70 inicia a sua internacionalização com exposições individuais em Berna, em Basel, em Paris, e em Bruxelas. Em 1982 é representante de Portugal na Bienal internacional de Veneza. Helena Almeida é detentora de uma linguagem estética muito peculiar, muito própria, e de forte cariz autoral . Se seguíssemos os conceitos de Foucault poderíamos dizer que o trabalho de Helena Almeida se impõe por si próprio independentemente do nome da autora. A capacidade autoral reside na faculdade de alterar, de reorientar o campo do conhecimento e da investigação, e do discurso. De facto só existe autor quando se sai do anonimato porque se reorientam os campos da investigação, se criam novos sistemas discursivos.

Francisco Keil AMARAL ( 1910-1975 )

Francisco Caetano Keil Coelho do Amaral (Lisboa, 28 de Abril de 1910 — Lisboa, 19 de Fevereiro de 1975) foi um arquitecto português.
Obteve o diploma de Arquitecto na Escola de Belas-Artes de Lisboa.
Em 1937 venceu o concurso para o pavilhão português da Exposição Internacional das Artes e Técnicas na Vida Moderna, realizada em Paris. No ano seguinte ingressa na Câmara Municipal de Lisboa, como arquitecto urbanista, até 1949.
Dinamizou o grupo Iniciativas Culturais Arte e Técnica, responsável pela publicação da revista Arquitectura, a partir de 1947. Em 1948 foi eleito presidente do Sindicato Nacional dos Arquitectos, mas foi impedido de tomar posse, por imposição do governo.
Teve um papel assinalável na criação e renovação de parques e jardins de Lisboa, nomeadamente o Parque Florestal de Monsanto e o Jardim do Campo Grande[1]. Entre os edifícios cuja traça lhe pertence, são de mencionar, entre outros, os dos aeroportos de Lisboa e Luanda, bem como o da União Eléctrica Portuguesa, em Almada.
Foi galardoado com a Medalha de Ouro da Exposição Internacional de Paris, em 1937.
Publicou as obras A Arquitectura e a Vida (1942), A Moderna Arquitectura Holandesa (1943) e O Problema da Habitação (1945).
Filho único de Francisco Coelho do Amaral Reis, 100º governador de Angola, e de Guida Maria Josefina Cinatti Keil, filha de Alfredo Keil, era pretendente ao título de 2º visconde de Pedralva. Era casado com a artista plástica Maria Keil.
Algumas obras e projectos
Bairro de Santa Cruz de Benfica, em Lisboa;
Aeroporto de Lisboa, 1938-42;
Núcleo habitacional no Aeroporto de Santa Maria
Pavilhão de exposições principal da antiga Feira das Indústrias de Lisboa (FIL), Belém, 1952-57;
Cine-Teatro - Mangualde;[2]
Primeira fase do metropolitano de Lisboa, inaugurado em 1959;
Instituto Pasteur no Porto, 1935;
Parque Florestal de Monsanto, (incluíndo equipamentos), em Lisboa;
Jardim do Campo Grande, em Lisboa (remodelação e ampliação), 1945;
Piscina do Campo Grande, em Lisboa;
Parque Eduardo VII, em Lisboa (intervenção);
Pavilhão de Portugal na Exposição Mundial de Paris, 1937;
Escolas para a Fábrica Secil, no Outão, em Setúbal, 1938-40;
Parque de Diversões da Exposição do Mundo Português, 1940;
Estação de caminhos de ferro de Belém, 1940;
Moradia na rua Almirante António Saldanha, n.º 44 (Restelo), em Lisboa, Prémio Valmor, 1962.
[editar] Alguns prémiosPrémio Municipal de Arquitectura (Lisboa) de 1951
Prémio Valmor de 1962, com uma moradia na Rua Almirante António Saldanha, n.º 44, no Restelo, em Lisboa
Prémio Diário de Notícias, de 1960, pelo conjunto da sua obra.

A Ilha e o Mundo numa proposta pictorica Nuno de Miranda

Estoril, s/d; 4 p.; Ilust.;
Com texto de Nuno de Miranda e 2 Reproduções

10 €

Ernesto de SOUSA ( 1921-1988 )

José Ernesto de Sousa (Lisboa, 1921 — Lisboa, 1988). iniciador do movimento cineclubista em Portugal, foi criador, investigador e crítico de arte, actividades a que dedicou toda a sua vida.

Entregou-se, desde muito jovem, ao estudo da arte e da fotografia. Espírito aberto, polémico, pioneiro em muitas das coisas em que se empenhou, exerceu uma vasta acção no campo artístico: artes visuais, cinema, teatro, jornalismo, rádio, crítica e ensaio. Como realizador, é reconhecido como um dos fundadores do chamado Novo Cinema (Dom Roberto - 1962), filme que inaugura o movimento, com Verdes Anos, de Paulo Rocha.

Não seria no entanto o cinema o seu meio de expressão mais assíduo. De um modo diversificado e prolífero, faz-se notar noutras artes, dedicando muito do seu tempo à fotografia. «As reflexões teóricas e o trabalho de Ernesto de Sousa na área da Fotografia foram elementos fundamentais para a inauguração da contemporaneidade artística».

Segue o curso de físico-química na Faculdade de Ciências de Lisboa (anos 40) onde organiza uma exposição sobre arte africana da Associação de Estudantes. Começa a colaborar com jornais e revistas como a Seara Nova, Vértice, Mundo Literário e Colóquio Artes.

Entra em violenta divergência com os seus contemporâneos surrealistas. Inicia a sua participação como crítico e teórico do neo-realismo artístico e literário dos anos 40, por entender ser esse o local propício ao magistério da arte como instrumento de libertação social e individual.

Entre 1949 e 1952 vive em Paris onde frequenta cursos de cinema da Cinemateca Francesa, da Sorbonne e do Institut de Hautes Études Cinematographiques, aulas de arte na Ecole du Louvre e faz o Cours d'Initiation aux Arts Plastiques de Jean d'Yvoire, com quem manterá relações de amizade. É membro do Ciné-Club du Quartier Latin, onde trava conhecimento com André Bazin e François Truffaut. Estagia em Marly-le-Roy, onde convive com Alain Resnais, Agnès Varda e Jean Michel, presidente da Federação dos Cine-Clubes Franceses.

É tido como fundador do primeiro cineclube em Portugal, o Círculo de Cinema (1946). Em 1948, a sede do Círculo é assaltada pela PIDE, que prende Ernesto de Sousa e os restantes membros da direcção. Esta será a primeira de quatro prisões por motivos político-culturais.

O carácter cultural e cívico desenvolvido por Ernesto de Sousa estende-se a todo o país e é completado pela revista Plano Focal, onde publica uma entrevista com Man Ray (nº 4, 1953), e pela revista Imagem (2ª Série, 1956-61), de que é redactor principal, lutando pelo “cinema novo” em Portugal (ver novo cinema). Entrevista o crítico Bernard Dort e o realizador Chris Marker, entre outros.

Participa na Colecção de Arte Contemporânea com Júlio Pomar por Ernesto de Sousa ( 1960 ).

Dirige a revista Imagem e prossegue a actividade cineclubista, revelando a toda uma geração de cinéfilos e jovens universitários de Lisboa os movimentos vanguardistas ou representativos do cinema dessa época.

Entusiasmado pela sétima arte, consegue realizar, com meios precários - tendo Raul Solnado como actor principal e outros actores que ficariam - o filme Dom Roberto, premiado noFestival de Cannes de 1963 (Menção Especial do Júri do Melhor Filme para a Juventude). É então detido pela polícia política do Estado Novo, que o impede de estar presente emCannes. Para financiar o projecto, Ernesto de Sousa tem a ideia de criar uma cooperativa de cinema, ideia que se manteria viva e que seria tema quente na revista Imagem.

Dedica-se entretanto à pesquisa no campo da arte popular portuguesa, dá a conhecer artistas como Rosa Ramalho e descobre a obra de Franklin Vilas Boas, engraxador de Esposende, que, para fazer esculturas, recolhe restos de troncos de árvores e destroços de madeira na praia e lhes retira «o que está a mais». Mantém-se activo no universo da arte, quer como comentador e escritor quer lidando com galeristas e trabalhando nos meios de difusão da arte em Portugal.

Em 1969 encena o exercício de comunicação poética, com música ao vivo por Jorge Peixinho e o Grupo de Música Contemporânea, destacando autores de quem gosta: Herberto Helder, Almada Negreiros, Luísa Neto Jorge, Mário Cesariny. Cria a 14ª Oficina Experimental para desenvolvimento de projectos colectivos, de “criação permanente”, para «investigar e aprofundar as formas de comunicação».

Almada Negreiros é para Ernesto de Sousa uma referência permanente. A obra e a personalidade deste autor são ponto de partida para artigos, livros, e «mixed-media».

Em meados dos anos 60 entra em contacto com o movimento Fluxus, corresponde-se com Ken Friedman, entrevista Ben Vaultier e torna-se amigo de Robert Filliou e de Wolf Vostell. A partir de 1976, faz uma primeira visita ao Museu Vostell Malpartida, de Cáceres, e participa na inauguração da escultura-ambiente VOEX. Esta relação com Vostell permite o alargamento do seu projecto MVM com a participação de muitos artistas portugueses. Estará entretanto presente em estágios e congressos internacionais dedicados ao estudo dacomunicação e da pedagogia, através dos meios audiovisuais.

Em 1972 Ernesto de Sousa visita a Documenda 5, em Kassel, onde entrevista Joseph Beuys. Fascinado pela vida e obra deste artista alemão, sublinha a vertente pedagógica do seu trabalho e a concepção da arte como vida. Desenvolve projectos artísticos em vídeo e organiza, em 1977, a exposição Alternativa Zero, na Galeria Nacional de Arte Moderna, em Belém.

Recupera os painéis de Almada no Cine San Carlos em Madrid e consegue transportá-los para Portugal, numa importante operação no âmbito da defesa do património nacional.

Envolve-se nas correntes de mail art. É sócio fundador da Galeria Diferença (1978), membro da AICA e do IKG (Internationales Künstler Gremium).

Ainda entre os anos 60 e 80, divulga a videoarte, o happening, a performance, em cursos, artigos e conferências que contribuem para abrir caminhos à arte portuguesa, entre as quais,Arte portuguesa actual, na Ecole Supérieure d'Arts Visuels, em Genebra, a convite de Chérif Défraoui. Apresenta, em 1976, o Ciclo sobre arte vídeo, no Instituto Alemão de Lisboa, em colaboração com a videoteca do Neuer Berliner Kunstverein Faz ainda a apresentação de vídeos de R. Hamilton, Vostell, Beuys, Rebecca Horn, Allan Kaprov. Por convite de Dulce d'Agro, introduz o ciclo Performing Arts, na Galeria Quadrum, em que se exibe vasta documentação visual sobre happenings, envolvimentos, performances, events, videoarte e nova fotografia, em colaboração com Gina Pane, Ulrike Rosenbach e Dany Block, entre outros.

É comissário por Portugal para a Bienal de Veneza em 1980, 1982 e 1984.

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